Importante lithographie originale en couleurs conçue sous la forme d'un triptyque narratif, sujet majeur dans l'œuvre de l'artiste.
La composition s'organise autour d'un panneau central épuré où se dresse une figure longiligne et hiératique (rappelant l'univers de Don Quichotte ou du Prédicateur), flanquée de deux scènes expressionnistes aux puissantes tonalités d'ocres, de terres sombres et de noirs profonds.
L'œuvre témoigne de la fascination de Garouste pour les textes sacrés et la langue hébraïque en intégrant deux passages philosophiques manuscrits extraits du livre biblique de l'Ecclésiaste (signé de son nom hébreu, Gohélet / Qohélet) :
À gauche (Gohélet I, 17) : « Et j'ai vu la vie un jour pour moi mauvaise, est l'œuvre qui s'est faite sous le soleil car tout est vanité et pâture du vent. »
À droite : « Car qui a souvenir du sage avec le fou à jamais, puisque dans les jours qui viennent déjà tout est oublié. Et comment il mourra le sage avec le fou. »
Référence Institutionnelle :Une épreuve similaire de cette même édition est conservée dans les collections nationales du Centre Pompidou / Musée National d'Art Moderne (N° d'inventaire : AM 2022-64).
Lithographie originale en couleurs sur papier vélin fort.
Numérotée 35 / 50 au crayon (tirage très confidentiel de seulement 50 exemplaires).
Signée du monogramme officiel « MG » au crayon par l'artiste en bas à droite.
Excellent état de conservation, très belle fraîcheur des pigments.
Encadrement muséal :Mise en valeur exceptionnelle réalisée sur-mesure par un atelier parisien de référence.
Montage flottant en boîte : L'œuvre est fixée de manière réversible, laissant apparaître l'intégralité des bords frangés du papier. Baguette profil boîte en merisier, fond de conservation neutre et verre de qualité musée (anti-reflet et protection anti-UV).
Lumineuse huile sur carton fort (support historique Canson & Montgolfier) représentant une scène intimiste d'atelier : une table dressée pour le thé avec son samovar, des tasses en céramique et une boîte d'allumettes.
L'œuvre témoigne de la superbe maîtrise technique d'Henri de Saint-Delis, figure emblématique de l'École de Rouen et de Honfleur. L'artiste y déploie une touche moderne, généreuse en matière (impasto), héritée à la fois de l'impressionnisme normand et de la liberté chromatique du fauvisme. La nappe blanche, sculptée par la lumière, vibre de reflets bleutés et mauves caractéristiques de sa plus belle manière. La touche, empâtée et vibrante, la gamme chromatique tout en ocres, bleus et roses poudrés, sont caractéristiques de la manière de l’artiste, formé au Havre aux côtés d’Othon Friesz, Raoul Dufy et Georges Braque, avant de s’installer définitivement à Honfleur où il peindra l’essentiel de son œuvre.
Signée en bas.
Œuvre expertisée par le Cabinet Marc Ottavi, Paris (expert agréé C.V.V., spécialiste des peintures des XIXe et XXe siècles).
Support : Présence au dos de son étiquette d'origine du fabricant Canson & Montgolfier (N° 347, grain moiré), précieux gage d'époque.
Encadrement : Présenté dans un cadre de style en bois mouluré et doré, agrémenté d’une élégante Marie-Louise en velours bordeaux qui souligne parfaitement les tons chauds de l'arrière-plan
Figure centrale du surréalisme, André Masson fut l’un des inventeurs de la peinture automatique — une liberté du geste qui influencera directement Pollock et l’expressionnisme abstrait américain. Son œuvre graphique, entre mythe, métamorphose et énergie vitale, est aujourd’hui présente dans les plus grandes collections mondiales.
"Rencontre" en est une illustration saisissante : sur un fond granité violet-gris, des lignes blanches fluides font surgir silhouettes animales, visages fragmentés et symboles archaïques dans une danse tourbillonnaire. L’automatisme à l’état pur.
Estampe originale en couleurs, signée au crayon, numérotée 4/50. Papier vergé à bords gaufrés.
Motif : 29,5 × 20,5 cm — Feuille : 47,8 × 35 cm.
Encadrée sous verre par un Atelier parisien de référence.
Cadre en noyer : 52 × 39 × 3 cm
Très belle scène de plage d'Yves Wacheux, peintre du XXe siècle, représentant un groupe de personnages sur le sable face à la mer, dans une atmosphère douce et légèrement voilée. L'artiste y capte un moment de vie simple et silencieux,où adultes et enfants se partagent l'espace entre la mer et les dunes. La composition est construite par larges zones de couleur, dominées par les bleus, les beiges et les blancs, créant une lumière diffuse, presque brumeuse, qui évoque une plage hors saison ou une fin d'après-midi. Les figures sont traitées avec des contours fondus donnant à la scène une grande poésie et une impression de calme absolu. Le travail des couleurs et de la lumière particulièrement subtil traduit la sensibilité de l'artiste. Oeuvre signée en bas à droite. Présentée dans un cadre en bois à décor géométrique.
Huile sur panneau représentant le portrait d'une élégante dame en buste, vêtue d'une robe bleue décolletée et parée d'un collier. Sa coiffure poudrée agrémentée de rubans verts illustre la mode raffinée de la seconde moitié du XVIIIe siècle. La peinture réalisée sur fond sombre et le traitement des chairs évoquent une oeuvre germanique. Ce traitement met en valeur l'éclat des bijoux et la délicatesse du visage. Présentée dans un cadre ancien doré à décor de perles et moulures, l'oeuvre garde tout son charme de cabinet. Craquelures d'âge, reprises. Bon état général.
Grand portrait contemporain réalisé par l'artiste thaïlandais Silawit Poolsawat, reconnu pour ses oeuvres puissantes et sensibles. Asian Beauty capture la délicatesse et la profondeur d'un visage féminin asiatique, dans une composition qui mêle réalisme, transparences subtiles et atmosphères oniriques. Les peintures de Silawit Poolsawat sont inspirées par des femmes et des enfants qu'il a croisés au cours de ses pérégrinations et dont l'expression l'ont profondément marqué. Signée en bas à droite. Encadrement: monté sur chassis aluminium, prêt à accrocher.
Imposante huile sur toile, école espagnole, datant du 19e siècle. Cette peinture de natures mortes met en scène une abondance de fruits. Très beau cadre alternant bois doré gravé et bois teinté ciré.
Grand groupe en bronze d'après Clodion datant du 19e siècle, représentant une faunesse avec ses deux enfants, l'un sur ses genoux l'autre allongé, sur le thème de bacchus. La mère tend une coupe de vin à l'enfant, le vin coule d'un tonneau. Socle en marbre vert. Signé Clodion sur la base du groupe en bronze. Socle : 35 cm X 26,5 cm
Elégance artistique pour ce chevreuil en ciment patiné par le temps sur son socle. Cette pièce d’art populaire unique datant des années 60 offre une atmosphère poétique à votre jardin ou votre intérieur.
Belle gouache attibuée à Louis Gadbois (oeuvre expertisée), datant de la fin XVIIIe / début XIXe siècle, représentant un paysage de campagne italienne animé par des lavandières, dans une composition équilibrée et lumineuse. Au premier plan, plusieurs figures féminines sont occupées à laver le linge au bord d'un point d'eau, tandis que le paysage s'ouvre progressivement vers un lointain vallonné, rythmé par des arbres élancés et des reliefs doux. La scène est baignée d'une lumière claire et atmosphérique, tupique des vues idéalisées de l'Italie prisées par les artistes de la fin du XVIIIe siècle. La palette, raffinée et harmonieuse, mêle verts tendres, bleus délicats et ocres chauds. Le traitement du paysage, la profondeur aérienne et la finesse des figures s'inscrivent pleinement dans la tradition des scènes de genre et paysages animés d'inspiration italienne de la période néo-classique. Bon état général.
Ravissante huile sur toile d'époque XIXe représentant une scène lyrique de nymphes dansant dans une clairière. Cette oeuvre est une réinterprétation de qualité de la célèbre composition de Jean-Baptiste Camille Corot, "une matinée, la danse des nymphes" de 1850). Loin d'être une simple copie, ce tableau de cabinet propose une variante personnelle et lumineuse du chef-d'oeuvre original. L'artiste y affirme sa propre sensibilité avec une palette plus vive dans les drapés et un travail des feuillages en contre-jour d'une grande poésie, typique de l'influence de l'Ecole de Barbizon. La lumière filtrant à travers la canopée vient iriser la ronde des personnages avec une maîtrise remarquable de l'atmosphère vaporeuse. C'est une oeuvre d'une grande douceur, témoignant du goût de l'aristocratie du XIXe siècle pour les thèmes mythologiques et champêtres. L'oeuvre est dans un excellent état de conservation. Toile saine, châssis d'origine. Cadre en bois et stuc doré à décor de canaux.
Estampe originale en taille douce de Leonor Fini, signée à la main au crayon par l'artiste, en bas à droite. Scène sensuelle et théâtrale figurant deux femmes nues dans une composition intime, caractéristique de l'univers onirique de Leonor Fini. Tirage sur papier Japon de belle qualité, à l'aspect moiré délicat. Cuvette bien marquée, empreinte nette, révélant un tirage soigné. Présentée dans un cadre en bois noirci et argenté, entre-deux verres. Très bon état.