Pétillante et lumineuse aquarelle rehaussée d'encre et de touche de gouache, intitulée Le Marché aux fleurs, réalisée par l'artiste Thérèse Hummel (1896-1967).
La scène nous transporte au cœur d'un marché aux fleurs parisien animé (évoquant les quais de la Seine avec le pont et les tours de la Conciergerie se découpant à l'arrière-plan). Sous des tonnelles couvertes, une profusion de pots, de bouquets et de compositions florales éclate en touches de couleurs vives : orange coquelicot, rose tendre, blanc pur et verts profonds.
Au milieu de cet écrin floral, plusieurs personnages s'affairent : une fleuriste en tablier conseille une élégante en robe rose, d'autres promeneuses choisissent leurs bouquets, tandis qu'un homme élégant en costume sombre et chapeau s'éloigne au centre, un généreux bouquet sous le bras. La composition est couronnée par un ciel poétique teinté de rose, survolé de petits nuages cotonneux. Thérèse Hummel y déploie toute la fraîcheur de sa palette et la liberté graphique si caractéristique de son œuvre.
Biographie / À propos de l'artiste
Thérèse HUMMEL (1896-1967)
Figure intime des cercles artistiques parisiens de la première moitié du XXe siècle, Thérèse Hummel appartient à cette génération d'artistes féminines indépendantes ayant évolué au cœur de la modernité.
Proche des grands noms de l'avant-garde de Montparnasse et de Montmartre, elle a partagé des liens d'amitié privilégiés avec Jeanne Hébuterne, Amedeo Modigliani et Pablo Picasso. Immergée dans cette effervescence créative exceptionnelle, son œuvre se caractérise par une liberté plastique remarquable, alliant poésie du quotidien, simplification des formes et expressivité de la couleur.
Ses œuvres, recherchées et rares sur le marché, constituent un témoignage précieux sur l'esprit créatif de l'École de Paris.
L'œuvre bénéficie d'un encadrement muséal réalisé sur mesure : verre anti-reflet et filtrant les rayons UV.
Très vivante et poétique aquarelle intitulée La Place des Vosges, réalisée par l'artiste Thérèse Hummel (1896-1967).
Dans cette composition équilibrée, l'artiste saisit l'atmosphère joyeuse du célèbre square parisien. On y retrouve l'architecture emblématique du XVIIe siècle aux briques roses et toits de ardoise verdoyante, bordant le jardin central structuré autour de sa fontaine monumentale et de ses allées de tilleuls.
Au premier plan, des enfants jouent au ballon, flânent et s'amusent près du bassin, surveillés par des silhouettes élégantes assises sur les bancs du square. Thérèse Hummel utilise une palette fraîche et rythmée, dominée par le vert profond de la végétation, le rose ocre des façades et des chemins, rehaussée de petits points blancs figurant le gravier ou la lumière. La spontanéité du trait à l'encre s'allie parfaitement à la délicatesse des lavis d'aquarelle.
Figure intime des cercles artistiques parisiens de la première moitié du XXe siècle, Thérèse Hummel appartient à cette génération d'artistes féminines indépendantes ayant évolué au cœur de la modernité.
Proche des grands noms de l'avant-garde de Montparnasse et de Montmartre, elle a partagé des liens d'amitié privilégiés avec Jeanne Hébuterne, Amedeo Modigliani et Pablo Picasso. Immergée dans cette effervescence créative exceptionnelle, son œuvre se caractérise par une liberté plastique remarquable, alliant poésie du quotidien, simplification des formes et expressivité de la couleur.
Ses œuvres, recherchées et rares sur le marché, constituent un témoignage précieux sur l'esprit créatif de l'École de Paris.
L'œuvre bénéficie d'une présentation haut de gamme avec un encadrement muséal de conservation réalisé sur mesure :
Verre de qualité muséale: anti-reflet et filtrant les rayons UV.
Encadrement d'art: Réalisé parun atelier parisien de référence.
Signée en bas à gauche.
Estampe/lithographie en couleur sur papier vélin d'après l'oeuvre iconique de Pierre Bonnard représentant un paysage d'hiver intimiste.
La composition s'ouvre sur un chemin enneigé bordé de murs et d'arbres aux branches lourdes de neige, au centre duquel s'avance un enfant enveloppé dans son manteau.
On y retrouve toute la modernité du mouvement post-impressionniste: cadrage resserré, stylisation des formes, touches de couleur cernées et palette sourde réveillée par la touche vive d'une cheminée en arrière-plan et des jambes de l'enfant. Composition caractéristique du regard de Bonnard sur les scènes de rue parisiennes hivernales.
La signature de l'artiste est imprimée dans la planche en bas à droite.
Numérotée au crayon 192/220 en bas à gauche.
Reproduction posthume type Edition d'art des années 1950-1970
L'œuvre bénéficie d'un encadrement muséal sous verre réalisé sur mesure : verre anti-reflet et filtrant les rayons UV.
Grand portrait contemporain réalisé par l'artiste thaïlandais Silawit Poolsawat, reconnu pour ses oeuvres puissantes et sensibles. Asian Beauty capture la délicatesse et la profondeur d'un visage féminin asiatique, dans une composition qui mêle réalisme, transparences subtiles et atmosphères oniriques. Les peintures de Silawit Poolsawat sont inspirées par des femmes et des enfants qu'il a croisés au cours de ses pérégrinations et dont l'expression l'ont profondément marqué. Signée en bas à droite. Encadrement: monté sur chassis aluminium, prêt à accrocher.
L’Apiculteur et les Indiens” — une estampe de Gérard Garouste, Hors Commerce, signée et numérotée 8/10.
Le Minotaure surgit d’un décor à la grecque, méandre et rinceaux tracés au trait noir, presque architecturaux.
Le visage échappe à cette rigueur : peint à la main, dans des bruns et des roses qui adoucissent la figure.
Chez Garouste, “l’Indien” n’est jamais un détail anecdotique. Depuis sa pièce de théâtre “Le Classique et l’Indien” (1977), il incarne le double du peintre : face au Classique — la raison, l’ordre — l’Indien porte le sauvage, la folie, l’incontrôlable. Un thème qu’il creusera pendant plus de trente ans, jusqu’à sa série des “Indiennes”.
Le titre complet de cette estampe reprend celui d’un ouvrage que Michel Onfray a consacré à sa peinture en 2009.
Présentée sous encadrement muséal, verre anti-reflets et anti-UV.
Charmante et lumineuse aquarelle intitulée Les amoureux, place de la Comédie, réalisée par l'artiste Thérèse Hummel (1896-1967).
L'artiste y déploie un style graphique synthétique et d'une grande modernité, jouant avec élégance sur une palette chromatique contrastée et maîtrisée : le vert végétal des frondaisons et des éléments architecturaux répond au rouge-orangé vibrant des silhouettes et des réverbères stylisés.
Au premier plan, un groupe de pigeons picore sur la place, apportant une belle dynamique vivante et poétique à la scène. En arrière-plan, le couple d'amoureux flâne près de la fontaine et des réverbères, devant les imposantes façades parisiennes. La précision du trait combinée à la légèreté des lavis témoigne de la grande maîtrise plastique de l'artiste.
Figure intime des cercles artistiques parisiens de la première moitié du XXe siècle, Thérèse Hummel appartient à cette génération d'artistes féminines indépendantes ayant évolué au cœur de la modernité.
Proche des grands noms de l'avant-garde de Montparnasse et de Montmartre, elle a partagé des liens d'amitié privilégiés avec Jeanne Hébuterne, Amedeo Modigliani et Pablo Picasso. Immergée dans cette effervescence créative exceptionnelle, son œuvre se caractérise par une liberté plastique remarquable, alliant poésie du quotidien, simplification des formes et expressivité de la couleur.
Encadrement muséal réalisé sur mesure par un atelier parisien de référence: verre anti-reflet et filtrant les rayons UV.
Lumineuse huile sur carton fort (support historique Canson & Montgolfier) représentant une scène intimiste d'atelier : une table dressée pour le thé avec son samovar, des tasses en céramique et une boîte d'allumettes.
L'œuvre témoigne de la superbe maîtrise technique d'Henri de Saint-Delis, figure emblématique de l'École de Rouen et de Honfleur. L'artiste y déploie une touche moderne, généreuse en matière (impasto), héritée à la fois de l'impressionnisme normand et de la liberté chromatique du fauvisme. La nappe blanche, sculptée par la lumière, vibre de reflets bleutés et mauves caractéristiques de sa plus belle manière. La touche, empâtée et vibrante, la gamme chromatique tout en ocres, bleus et roses poudrés, sont caractéristiques de la manière de l’artiste, formé au Havre aux côtés d’Othon Friesz, Raoul Dufy et Georges Braque, avant de s’installer définitivement à Honfleur où il peindra l’essentiel de son œuvre.
Signée en bas.
Œuvre expertisée par le Cabinet Marc Ottavi, Paris (expert agréé C.V.V., spécialiste des peintures des XIXe et XXe siècles).
Support : Présence au dos de son étiquette d'origine du fabricant Canson & Montgolfier (N° 347, grain moiré), précieux gage d'époque.
Encadrement : Présenté dans un cadre de style en bois mouluré et doré, agrémenté d’une élégante Marie-Louise en velours bordeaux qui souligne parfaitement les tons chauds de l'arrière-plan
Importante lithographie originale en couleurs conçue sous la forme d'un triptyque narratif, sujet majeur dans l'œuvre de l'artiste.
La composition s'organise autour d'un panneau central épuré où se dresse une figure longiligne et hiératique (rappelant l'univers de Don Quichotte ou du Prédicateur), flanquée de deux scènes expressionnistes aux puissantes tonalités d'ocres, de terres sombres et de noirs profonds.
L'œuvre témoigne de la fascination de Garouste pour les textes sacrés et la langue hébraïque en intégrant deux passages philosophiques manuscrits extraits du livre biblique de l'Ecclésiaste (signé de son nom hébreu, Gohélet / Qohélet) :
À gauche (Gohélet I, 17) : « Et j'ai vu la vie un jour pour moi mauvaise, est l'œuvre qui s'est faite sous le soleil car tout est vanité et pâture du vent. »
À droite : « Car qui a souvenir du sage avec le fou à jamais, puisque dans les jours qui viennent déjà tout est oublié. Et comment il mourra le sage avec le fou. »
Référence Institutionnelle :Une épreuve similaire de cette même édition est conservée dans les collections nationales du Centre Pompidou / Musée National d'Art Moderne (N° d'inventaire : AM 2022-64).
Lithographie originale en couleurs sur papier vélin fort.
Numérotée 35 / 50 au crayon (tirage très confidentiel de seulement 50 exemplaires).
Signée du monogramme officiel « MG » au crayon par l'artiste en bas à droite.
Excellent état de conservation, très belle fraîcheur des pigments.
Encadrement muséal :Mise en valeur exceptionnelle réalisée sur-mesure par un atelier parisien de référence.
Montage flottant en boîte : L'œuvre est fixée de manière réversible, laissant apparaître l'intégralité des bords frangés du papier. Baguette profil boîte en merisier, fond de conservation neutre et verre de qualité musée (anti-reflet et protection anti-UV).
Grand groupe en bronze d'après Clodion datant du 19e siècle, représentant une faunesse avec ses deux enfants, l'un sur ses genoux l'autre allongé, sur le thème de bacchus. La mère tend une coupe de vin à l'enfant, le vin coule d'un tonneau. Socle en marbre vert. Signé Clodion sur la base du groupe en bronze. Socle : 35 cm X 26,5 cm
Figure centrale du surréalisme, André Masson fut l’un des inventeurs de la peinture automatique — une liberté du geste qui influencera directement Pollock et l’expressionnisme abstrait américain. Son œuvre graphique, entre mythe, métamorphose et énergie vitale, est aujourd’hui présente dans les plus grandes collections mondiales.
"Rencontre" en est une illustration saisissante : sur un fond granité violet-gris, des lignes blanches fluides font surgir silhouettes animales, visages fragmentés et symboles archaïques dans une danse tourbillonnaire. L’automatisme à l’état pur.
Estampe originale en couleurs, signée au crayon, numérotée 4/50. Papier vergé à bords gaufrés.
Motif : 29,5 × 20,5 cm — Feuille : 47,8 × 35 cm.
Encadrée sous verre par un Atelier parisien de référence.
Cadre en noyer : 52 × 39 × 3 cm
Très belle scène de plage d'Yves Wacheux, peintre du XXe siècle, représentant un groupe de personnages sur le sable face à la mer, dans une atmosphère douce et légèrement voilée. L'artiste y capte un moment de vie simple et silencieux,où adultes et enfants se partagent l'espace entre la mer et les dunes. La composition est construite par larges zones de couleur, dominées par les bleus, les beiges et les blancs, créant une lumière diffuse, presque brumeuse, qui évoque une plage hors saison ou une fin d'après-midi. Les figures sont traitées avec des contours fondus donnant à la scène une grande poésie et une impression de calme absolu. Le travail des couleurs et de la lumière particulièrement subtil traduit la sensibilité de l'artiste. Oeuvre signée en bas à droite. Présentée dans un cadre en bois à décor géométrique.
Huile sur panneau représentant le portrait d'une élégante dame en buste, vêtue d'une robe bleue décolletée et parée d'un collier. Sa coiffure poudrée agrémentée de rubans verts illustre la mode raffinée de la seconde moitié du XVIIIe siècle. La peinture réalisée sur fond sombre et le traitement des chairs évoquent une oeuvre germanique. Ce traitement met en valeur l'éclat des bijoux et la délicatesse du visage. Présentée dans un cadre ancien doré à décor de perles et moulures, l'oeuvre garde tout son charme de cabinet. Craquelures d'âge, reprises. Bon état général.