Notre collection

Bougeoir en bronze doré signé Casenove, cachet du fondeur Fondica, daté 94 (1994).

En parfait état.

Lampadaire italien signé Barovier & Toso, Murano, étiquette d’origine conservée  (logo losange Barovier & Toso + étiquette de certification “Vetri Murano VM 007”, label du consortium Consorzio Venezia Vetro utilisé entre 1981 et le début des années 2000).

La coupe conique en verre opalin soufflé, à la texture granitée caractéristique du travail vénitien, est ornée d’une frise de vagues gravées à l’acide sur son tiers inférieur, reprenant des techniques et un vocabulaire décoratif hérités des grandes années du verre vénitien. Elle repose sur une boule en verre de Murano incolore, soufflée et taillée à côtes torses, qui la referme sur la tige en laiton — un lampadaire de type torchère, la lumière étant diffusée vers le haut à travers le verre.

Le fût, en laiton, descend jusqu’à un socle circulaire en métal laqué blanc. Variateur au pied d’origine.

Bon état d’usage général. Le socle laqué présente des marques d’usage et micro-rayures visibles (voir photos), sans incidence sur la structure ni le fonctionnement.
Verre et boule en cristal intacts, sans éclat ni fêlure.

Électricité d'origine fonctionnelle.

Origine : Italie, Murano — Barovier & Toso, circa 1980.

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L’Apiculteur et les Indiens” — une estampe de Gérard Garouste, Hors Commerce, signée et numérotée 8/10.

Le Minotaure surgit d’un décor à la grecque, méandre et rinceaux tracés au trait noir, presque architecturaux.
Le visage échappe à cette rigueur : peint à la main, dans des bruns et des roses qui adoucissent la figure.

Chez Garouste, “l’Indien” n’est jamais un détail anecdotique. Depuis sa pièce de théâtre “Le Classique et l’Indien” (1977), il incarne le double du peintre : face au Classique — la raison, l’ordre — l’Indien porte le sauvage, la folie, l’incontrôlable. Un thème qu’il creusera pendant plus de trente ans, jusqu’à sa série des “Indiennes”.

Le titre complet de cette estampe reprend celui d’un ouvrage que Michel Onfray a consacré à sa peinture en 2009.

Présentée sous encadrement muséal, verre anti-reflets et anti-UV.

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Spectaculaire lustre italien en verre de Murano, composé d'une multitude de longues baguettes de verre cristallin à section prismatique, disposées en cascade et de hauteurs différentes.

La composition, particulièrement élégante et sculpturale, forme une silhouette mouvementée et aérienne, caractéristique du grand design verrier italien de la seconde moitié du XXe siècle Venini, de ses productions notamment des compositions utilisant des éléments prismatiques de type Triedri, développées à partir de la fin des années 1950. Les éléments en verre, d'une grande transparence, offrent de magnifiques jeux de lumière et de reflets lorsqu'ils sont éclairés.

Le lustre présente une structure argentée/chromée. Les reflets chaleureux visibles sur les photographies proviennent uniquement de l'éclairage.

Très belle pièce de caractère, monumentale et rare, particulièrement adaptée à un intérieur contemporain, une entrée, une salle à manger ou un espace bénéficiant d'une belle hauteur sous plafond.

Italie, vers 1960-1970.

Electrification refaite par un professionnel.

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Estampe/lithographie en couleur sur papier vélin d'après l'oeuvre iconique de Pierre Bonnard représentant un paysage d'hiver intimiste.

La composition s'ouvre sur un chemin enneigé bordé de murs et d'arbres aux branches lourdes de neige, au centre duquel s'avance un enfant enveloppé dans son manteau.

On y retrouve toute la modernité du mouvement post-impressionniste: cadrage resserré, stylisation des formes, touches de couleur cernées et palette sourde réveillée par la touche vive d'une cheminée en arrière-plan et des jambes de l'enfant. Composition caractéristique du regard de Bonnard sur les scènes de rue parisiennes hivernales.

La signature de l'artiste est imprimée dans la planche en bas à droite.

Numérotée au crayon 192/220 en bas à gauche.

Reproduction posthume type Edition d'art des années 1950-1970

L'œuvre bénéficie d'un encadrement muséal sous verre réalisé sur mesure : verre anti-reflet et filtrant les rayons UV.

Elégante paire d'appliques murales à deux bras de lumière, travail italien ou de style vénitien datant du milieu du XXe siècle (circa 1950).

Chaque applique se compose d'une plaque de miroir galbée et mouvementée à bord biseauté, formant fond de réflecteur. Le verre est richement gravé en creux et rehaussé de motifs dorés et sablés, figurant au sommet un motif végétal stylisé encadré d'étoiles, ainsi que de larges rinceaux feuillagés bordant les contours.

La structure inférieure supportant les deux bras de lumière est réalisée en bois sculpté et doré patiné à l'antique.

Les bras courbes à double moulure soutiennent des bobèches moulurées.Les dos sont en contreplaqué d'origine.

Très bon état général.

Electrifrication d'origine.

Elégante paire de lampes de table de style postmoderne/Hollywood Regeny, réalisées en verre de Murano des années 80 et laiton.

Ces luminaires se distinguent par une structure en "totem" composée d'un empilement de différents éléments en verre soufflé à la bouche, offrant un jeu de textures et de contrastes:

* Verre opalin blanc: des globes et une base bombée en verre opalin satiné

* Verre texturé à la feuille d'or: des disques intermédiaires en verre massif soufflé moulé, l'un translucide aux côtes rayonnantes, l'autre enrichi d'inclusions de poussière d'or selon la technique traditionnelle muranaise.

* Eléments géométriques: des cubes en verre de Murano venant structuré la silhouette architecturale de l'ensemble.La monture et les bagues de séparation sont en laiton doré, soulignant l'élégance des matériaux.

Le design est caractéristique de la production haut de gamme de Murano de cette époque dans l'esprit des maisons comme Barovier & Toso ou Mazzega.

Excellent état de conservation.

Electricité entièrement revisée et remise à neuf.

Présentés ici avec des abat-jour coniques de couleur gris/vert.

Exceptionnel et rare paravent à quatre feuilles présentant un décor en Arte Povera (ou Lacca Povera) sur un fond de laque de couleur vert antique. Cette pièce consitute un témoignage raffiné du goût de la période directoire, marquant la transition entre délicatesse du XVIIIe siècle et la rigueur du Premier Empire. Le décor est composé de gravures appliquées, d'après les oeuvres de Carle Vernet (1758-1836). On y retrouve les thèmes de prédilection de l'artiste: scènes de chasse à courre, scènes de genre, répertoire néoclassique tels que caducées ailés, carquois, flambeaux et couronnes de laurier. La technique de l'Arte Povera consiste en l'application minutieuse de gravures sur un support peint, le tout protégé par de nombreuses couches de vernis à la résine. Le revers du paravent est traité avec un soin égal, présentant des panneaux moulurés peints dans une tonalité de vert. Fin XVIIIe / début XIXe siècle.

Rare ensemble de quatre portraits de profil, peints à la gouache noire avec rehauts, sur papier teinté bleu-vert, présentés sous verre. Deux hommes et deux femmes sont représentés, coiffures et costumes caractéristiques de la mode de la fin du XVIIIe siècle et du Directoire. Plus précieuses que les simples silhouettes découpées, ces effigies peintes restituent avec finesse les détails des visages, des chevelures et des étoffes. Chaque portrait est présenté dans un filet brun et réuni dans un passe-partout. L'ensemble est conservé dans un cadre en bois doré orné de frises et palmettes sculptées. Bon état général. Usure et patine du temps.

Huile sur panneau représentant le portrait d'une élégante dame en buste, vêtue d'une robe bleue décolletée et parée d'un collier. Sa coiffure poudrée agrémentée de rubans verts illustre la mode raffinée de la seconde moitié du XVIIIe siècle. La peinture réalisée sur fond sombre et le traitement des chairs évoquent une oeuvre germanique. Ce traitement met en valeur l'éclat des bijoux et la délicatesse du visage. Présentée dans un cadre ancien doré à décor de perles et moulures, l'oeuvre garde tout son charme de cabinet. Craquelures d'âge, reprises. Bon état général.

Remarquable paire de chevets (ou bouts de canapé) en placage d’acajou flammé, représentative de l’ébénisterie milanaise de prestige du milieu du XXe siècle, dans le goût de Paolo Buffa.

Le placage révèle un chatoiement roux-orangé aux reflets dorés changeants selon la lumière. Les flancs sculptés en arche inversée confèrent à l’ensemble une légèreté remarquable malgré la présence de la matière. Quatre pieds fuselés se terminent par des sabots coniques en laiton moulé.

Chaque meuble est équipé d’un tiroir à façade bicolore — bandeau en poirier teinté noir, substitut noble de l’ébène, sur fond d’acajou chaud — fermé par une élégante découpe en accolade. La poignée en laiton moulé en forme de nacelle aplatie est caractéristique du vocabulaire décoratif de l’Italie du Nord des années 1960. Le plateau recouvert de verre églomisé noir est surmonté d’une galerie ouverte avec étagère en verre clair à bord vert.

Vendue en paire uniquement.

Très bon état général. Placage intact, tiroirs fonctionnels. Légères traces d’usage cohérentes avec l’ancienneté.

Exceptionnel cabinet de rangement de type Highboard (enfilade haute) conçu dans les années 1960 par le célèbre designer belge Oswald Vermaercker. Cette pièce maîtresse incarne à la perfection l'âge d'or du design moderniste belge et le raffinement scandinave qui a fortement influencé la création en Belgique durant le milieu du XXe siècle.

Qualité des Matériaux et Travail du Bois:
Ce meuble se distingue par l'utilisation d'un placage en palissandre de Rio (Brazilian Rosewood) d'une qualité remarquable. Le veinage du bois, sombre, contrasté et profondément expressif, a été méticuleusement sélectionné et appliqué en "livre ouvert"  sur les portes et le plateau supérieur. Les motifs flammés du palissandre confèrent à ce meuble une présence sculpturale unique et une dimension hautement décorative.

Design et Fonctionnalités:

Le meuble présente une superbe façade géométrique divisée en deux sections distinctes :

• Partie supérieure : S'ouvre par deux portes battantes sur un intérieur aménagé, comprenant des étagères et des séparateurs verticaux amovibles, idéal pour un usage de bar ou de secrétaire.

• Partie inférieure : Dotée de deux portes coulissantes optimisant l'espace, révélant de larges étagères de rangement réglables.

Le détail signature réside dans ses poignées: de magnifiques prises de doigts rectangulaires, sculptées en creux directement dans la masse du bois, typiques du savoir-faire d'Oswald Vermaercke. L'ensemble repose sur un piètement traîneau élancé et fuselé, qui apporte une impression de légèreté aérienne contrastant élégamment avec la robustesse du corps du meuble.

Ce meuble est dans un excellent état d’origine. Le vernis d'origine a conservé tout son éclat, révélant la superbe patine naturelle et chaude du palissandre. Structure parfaitement saine et stable. Les portes et coulisses fonctionnent avec fluidité. Rares traces d'usage minimes conformes à son âge. Excellent état, très belle patine.

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Important et rare brûle-parfum rituel de forme rectangulaire en bois dur sculpté en relief, présentant de superbes restes de polychromie et de laque rouge de style Cinnabre.

Ce récipient de culte de dimentions exceptionnnelles, destiné aux offrandes d'encens sur un autel majeur ou dans un temple, se distingue par la puissance de ses lignes et la qualité des éléments sculptés.

Les deux impressionnantes anses latérales mouvementées en S inversé donnent à l'objet toute son envergure. Elles sont sculptées en léger relief d'un rinceau de fleurs de lotus épanouies, symbole bouddhique de pureté.

Le brûle-parfum repose sur quatre pieds vigoureux, sculpté en ronde-bosse de têtes de créatures mythiques protectrices, réhaussées de laque rouge.

La caisse présente des panneaux moulurés en doucine d'une grande sobriété structurelle qui contraste élégamment avec la luxuriance des anses et du piètement.

L'une des faces latérales de la caisse présente une rare inscription rituelle incisée de six sinogrammes parfaitement intégrée à la patine du bois. Traduction: "Offert respectueusement par (ou à la mémoire de) Yu Lin Shizhang".

Cette dédicace nominative atteste que ce brûle-parfum est un objet de culte et de dévotion commandé par une famille ou un dévot lettré.

Poids: 7,600 kg

Rare paire de lampes monumentales en grès émaillé, œuvre du céramiste florentin Marcello Fantoni (1915–2011), l’une des figures majeures de la céramique d’art italienne du XXe siècle, dont les pièces sont conservées dans les collections permanentes du Metropolitan Museum of Art, du Victoria & Albert Museum et du Musée International de la Céramique de Faenza.

Les corps ovoïdes, façonnés à la main, présentent un émail coulé d’une remarquable subtilité chromatique : le blanc crémeux et givré du sommet se fond par dégradé en un gris bleuté, un bleu nuit profond, ponctué de traînées cendrées. Des éclats de pyrite et des effets cristallins texturés (typiques des recherches de matières de Fantoni) viennent enrichir la surface, à la fois granuleuse et lumineuse qui révèle la maîtrise de Fantoni dans le travail du feu.

Chaque pièce est signée à la main au revers.

L’électrification a été intégralement refaite par un professionnel (douille et câblage neufs). Les abat-jour cylindriques en tissu naturel écru ont été réalisés sur mesure par une abat-jouriste du secteur des Arts Décoratifs, en harmonie parfaite avec la tonalité des céramiques.

Très vivante et poétique aquarelle  intitulée La Place des Vosges, réalisée par l'artiste Thérèse Hummel (1896-1967).

Dans cette composition équilibrée, l'artiste saisit l'atmosphère joyeuse du célèbre square parisien. On y retrouve l'architecture emblématique du XVIIe siècle aux briques roses et toits de ardoise verdoyante, bordant le jardin central structuré autour de sa fontaine monumentale et de ses allées de tilleuls.

Au premier plan, des enfants jouent au ballon, flânent et s'amusent près du bassin, surveillés par des silhouettes élégantes assises sur les bancs du square. Thérèse Hummel utilise une palette fraîche et rythmée, dominée par le vert profond de la végétation, le rose ocre des façades et des chemins, rehaussée de petits points blancs figurant le gravier ou la lumière. La spontanéité du trait à l'encre s'allie parfaitement à la délicatesse des lavis d'aquarelle.

Figure intime des cercles artistiques parisiens de la première moitié du XXe siècle, Thérèse Hummel appartient à cette génération d'artistes féminines indépendantes ayant évolué au cœur de la modernité.

Proche des grands noms de l'avant-garde de Montparnasse et de Montmartre, elle a partagé des liens d'amitié privilégiés avec Jeanne Hébuterne, Amedeo Modigliani et Pablo Picasso. Immergée dans cette effervescence créative exceptionnelle, son œuvre se caractérise par une liberté plastique remarquable, alliant poésie du quotidien, simplification des formes et expressivité de la couleur.

Ses œuvres, recherchées et rares sur le marché, constituent un témoignage précieux sur l'esprit créatif de l'École de Paris.

L'œuvre bénéficie d'une présentation haut de gamme avec un encadrement muséal de conservation réalisé sur mesure :
Verre de qualité muséale: anti-reflet et filtrant les rayons UV.
Encadrement d'art: Réalisé parun atelier parisien de référence.

Signée en bas à gauche.

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Grand portrait contemporain réalisé par l'artiste thaïlandais Silawit Poolsawat, reconnu pour ses oeuvres puissantes et sensibles. Asian Beauty capture la délicatesse et la profondeur d'un visage féminin asiatique, dans une composition qui mêle réalisme, transparences subtiles et atmosphères oniriques. Les peintures de Silawit Poolsawat sont inspirées par des femmes et des enfants qu'il a croisés au cours de ses pérégrinations et dont l'expression l'ont profondément marqué. Signée en bas à droite. Encadrement: monté sur chassis aluminium, prêt à accrocher.

Charmante et lumineuse aquarelle  intitulée Les amoureux, place de la Comédie, réalisée par l'artiste Thérèse Hummel (1896-1967).

L'artiste y déploie un style graphique synthétique et d'une grande modernité, jouant avec élégance sur une palette chromatique contrastée et maîtrisée : le vert végétal des frondaisons et des éléments architecturaux répond au rouge-orangé vibrant des silhouettes et des réverbères stylisés.

Au premier plan, un groupe de pigeons picore sur la place, apportant une belle dynamique vivante et poétique à la scène. En arrière-plan, le couple d'amoureux flâne près de la fontaine et des réverbères, devant les imposantes façades parisiennes. La précision du trait combinée à la légèreté des lavis témoigne de la grande maîtrise plastique de l'artiste.

Figure intime des cercles artistiques parisiens de la première moitié du XXe siècle, Thérèse Hummel appartient à cette génération d'artistes féminines indépendantes ayant évolué au cœur de la modernité.

Proche des grands noms de l'avant-garde de Montparnasse et de Montmartre, elle a partagé des liens d'amitié privilégiés avec Jeanne Hébuterne, Amedeo Modigliani et Pablo Picasso. Immergée dans cette effervescence créative exceptionnelle, son œuvre se caractérise par une liberté plastique remarquable, alliant poésie du quotidien, simplification des formes et expressivité de la couleur.

Encadrement muséal réalisé sur mesure par un atelier parisien de référence: verre anti-reflet et filtrant les rayons UV.

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Lumineuse huile sur carton fort (support historique Canson & Montgolfier) représentant une scène intimiste d'atelier : une table dressée pour le thé avec son samovar, des tasses en céramique et une boîte d'allumettes.

L'œuvre témoigne de la superbe maîtrise technique d'Henri de Saint-Delis, figure emblématique de l'École de Rouen et de Honfleur. L'artiste y déploie une touche moderne, généreuse en matière (impasto), héritée à la fois de l'impressionnisme normand et de la liberté chromatique du fauvisme. La nappe blanche, sculptée par la lumière, vibre de reflets bleutés et mauves caractéristiques de sa plus belle manière. La touche, empâtée et vibrante, la gamme chromatique tout en ocres, bleus et roses poudrés, sont caractéristiques de la manière de l’artiste, formé au Havre aux côtés d’Othon Friesz, Raoul Dufy et Georges Braque, avant de s’installer définitivement à Honfleur où il peindra l’essentiel de son œuvre.

Signée en bas.
Œuvre expertisée par le Cabinet Marc Ottavi, Paris (expert agréé C.V.V., spécialiste des peintures des XIXe et XXe siècles).

Support : Présence au dos de son étiquette d'origine du fabricant Canson & Montgolfier (N° 347, grain moiré), précieux gage d'époque.

Encadrement : Présenté dans un cadre de style en bois mouluré et doré, agrémenté d’une élégante Marie-Louise en velours bordeaux qui souligne parfaitement les tons chauds de l'arrière-plan

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Applique murale du designer français Louis Sognot, emblématique du modernisme organique des années 1950.

Structure en rotin cintré formant une élégante anse curviligne soutenant une lanterne / cage.

Abat-jour cylindrique intérieur en tissus écru d'origine filtrant une lumière douce et tamisée.

Douille d'origine.

Très bel état d'origine.

Importante lithographie originale en couleurs conçue sous la forme d'un triptyque narratif, sujet majeur dans l'œuvre de l'artiste.

La composition s'organise autour d'un panneau central épuré où se dresse une figure longiligne et hiératique (rappelant l'univers de Don Quichotte ou du Prédicateur), flanquée de deux scènes expressionnistes aux puissantes tonalités d'ocres, de terres sombres et de noirs profonds.  

L'œuvre témoigne de la fascination de Garouste pour les textes sacrés et la langue hébraïque en intégrant deux passages philosophiques manuscrits extraits du livre biblique de l'Ecclésiaste (signé de son nom hébreu, Gohélet / Qohélet) :  

À gauche (Gohélet I, 17) : « Et j'ai vu la vie un jour pour moi mauvaise, est l'œuvre qui s'est faite sous le soleil car tout est vanité et pâture du vent. »  

À droite : « Car qui a souvenir du sage avec le fou à jamais, puisque dans les jours qui viennent déjà tout est oublié. Et comment il mourra le sage avec le fou. »  

Référence Institutionnelle :Une épreuve similaire de cette même édition est conservée dans les collections nationales du Centre Pompidou / Musée National d'Art Moderne (N° d'inventaire : AM 2022-64).  

Lithographie originale en couleurs sur papier vélin fort.  

Numérotée 35 / 50 au crayon (tirage très confidentiel de seulement 50 exemplaires).  

Signée du monogramme officiel « MG » au crayon par l'artiste en bas à droite.      

Excellent état de conservation, très belle fraîcheur des pigments.  

Encadrement muséal :Mise en valeur exceptionnelle réalisée sur-mesure par un atelier parisien de référence.

Montage flottant en boîte : L'œuvre est fixée de manière réversible, laissant apparaître l'intégralité des bords frangés du papier.   Baguette profil boîte en merisier, fond de conservation neutre et verre de qualité musée (anti-reflet et protection anti-UV).